Qu’est-ce qui rend une photo cinématographique ? Comment je me suis forcé à voir autrement

Photographie cinématographique

Je suis sûr que ces dernières années, nous tous, photographes, avons tellement entendu le mot cinématographie qu’à la fin, il a peut-être perdu tout son sens. Une photo avec un dos aplati et une teinte cyan-orange est-elle “cinématographique ?” Je dirais non. Alors aujourd’hui, je vais essayer d’explorer quels facteurs contribuent à une image cinématographique et ce qui peut faire ou défaire l’ambiance cinématographique d’un plan.

Tout a commencé alors que je regardais une vidéo de Grainydays sur YouTube dans laquelle Jason utilisait un appareil photo panoramique, le Fujifilm TX-1. C’est un appareil photo vintage qui crée des images panoramiques en exposant deux plans sur pellicule en même temps pour obtenir une image avec un rapport d’aspect de 65 par 25.

L’ensemble du concept a attiré mon intérêt, mais comme je n’ai pas environ 6 000 $ à dépenser pour un appareil photo vintage et que je ne tourne même pas de films, j’ai suivi la voie du bricolage et enregistré deux bandes de ruban adhésif sur l’écran LCD de mon appareil photo et l’a sorti pour un test.

Au début, cela semblait très gênant et restrictif. Mon cerveau se débattait un peu, mais le format d’image large m’a inspiré. C’était similaire à ce que j’ai vu dans les films et j’ai été obligé d’inclure plus de contexte avec mes sujets dans chaque image. Après être rentré chez moi, je suis allé de l’avant et j’ai recadré toutes ces photos à 65 par 25 et j’ai été étonné de certaines des prises.

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Ils étaient très différents et ma méthode de post-traitement habituelle ne fonctionnait pas très bien sur eux, j’ai donc opté pour un dégradé de couleurs plus proche du film et mis plus d’intention dans le choix de la couleur et de l’ambiance de chaque plan.

Cela a donc soulevé la question : qu’est-ce qui rend une photo cinématographique ?

proportion

Pour moi, c’est là que toute la quête de l’aspect cinématographique a commencé, et nul doute qu’un format d’image aussi large que 16:9, 2,35:1 ou même 64:25 offrira au spectateur une expérience plus proche du cinéma. Je crois fermement que nous, photographes, n’expérimentons pas assez les proportions et que certains d’entre eux sont beaucoup plus utiles pour raconter une histoire que d’autres et que nous, les humains, sommes enclins à les associer à des choses que nous avons vues auparavant comme le cinéma pour relations étendues, film de format moyen avec un aspect plus carré 4: 5, etc.

En revanche, il sera difficile de diffuser des clichés panoramiques sur les réseaux sociaux. Les gens consomment de plus en plus de contenu sur leurs téléphones et il est de notoriété publique que les images de portrait fonctionnent mieux simplement parce qu’elles occupent plus d’espace à l’écran. Les prises de vue grand angle peuvent sembler superbes sur un grand écran, mais elles sont terribles lorsqu’elles sont miniaturisées sur un téléphone.

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Exposition

La lumière est toujours la chose la plus importante, nous ne pouvons pas avoir de photographie sans elle. Ces dernières années, j’ai remarqué une tendance à éclaircir toutes les ombres pour obtenir le plus de détails possible dans le cadre alors que le monde du cinéma allait dans une direction différente.

Beaucoup de films se dirigent vers un look plus sombre avec des ombres profondes, et c’est intentionnel ! Dans mon cas, j’ai trouvé que s’il y a des détails dans chaque coin de ces plans, il y a trop d’informations et il est facile de confondre le spectateur. Comme j’utilisais le LiveView au lieu du viseur optique, je pouvais voir mon exposition en temps réel et pendant longtemps j’ai filmé d’environ -0,7 à -1,3 EV. Les ombres jouent un rôle très important. Vos yeux ne peuvent pas voir dans l’obscurité, alors pourquoi devrions-nous produire des images avec ce type de plage dynamique ?

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Couleur

La palette de couleurs que vous avez choisie pour une image, que ce soit en post-production ou pendant le tournage, affectera toute l’ambiance de la scène. Nous associons certaines couleurs à des sentiments et à des émotions. Par exemple, une scène où tout est bleu peut sembler froide, solitaire ou calme, selon la teinte, et une scène où le rouge est la couleur dominante peut donner au spectateur un sentiment de pouvoir/colère de la même manière que quelque chose de rose pourrait le suggérer. que le sujet est mignon

Encore une fois, nous pouvons voir plusieurs tendances dans la photographie et la cinématographie. Alors que certains photographes pourraient être tentés de choisir un préréglage cyan-orange et de l’appeler un jour, une approche plus cinématographique serait d’essayer de comprendre l’ambiance que vous essayez de créer avec votre photo et de développer une palette de couleurs basée sur celle-ci. L’approche la plus simple consiste à commencer avec deux couleurs complémentaires qui sont déjà dans votre photo et à construire une palette entière sur cette base solide avec des outils comme Adobe Color. Le point de départ le plus courant et parfois ennuyeux est le cyan-orange car la peau humaine peut être rapprochée de l’orange tandis que le ciel peut devenir cyan assez facilement, mais je vous mets au défi d’essayer des clichés vert-rouge et violet-orange.

Une autre astuce très utile consiste à essayer de faire correspondre les couleurs aux éléments qui ont des tons similaires dans votre prise de vue. Par exemple, si vous avez une voiture d’un bleu profond près d’un immeuble à Tuques et que le ciel est également bleu, vous pouvez essayer de combiner tous ces tons froids et de leur donner la même teinte. Limiter le nombre de couleurs que vous avez dans l’image finale facilitera la compréhension. C’est pourquoi vous voyez la plupart des nuances d’orange-cyan transformer les verts et les magentas en nuances de gris.

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Léger

Cette section est plus pour les photographes de portrait. Au cinéma, le plus souvent, l’objectif principal lors du réglage des lumières est de copier la réalité. Donc, si vous allez prendre des photos cinématographiques, il sera utile d’ajouter un motif pour qu’une lumière ait une certaine direction.

Par exemple, si vous avez une lumière orange provenant du côté droit d’un modèle, il peut être intéressant d’avoir également une lampe ou une fenêtre dans le cadre qui justifie la direction de la lumière. Une autre chose que vous verrez dans les films encore et encore est la lumière de Rembrandt avec le côté le plus sombre du visage plus proche de la caméra, c’est un moyen très simple d’éclairer une personne tout en étant extrêmement flatteur. L’éclairage par l’arrière et la prise de vue au soleil sont également des techniques qui méritent d’être expérimentées. Ne pas avoir la source de lumière la plus grande et la plus brillante sur le visage de votre sujet pourrait ajouter une couche de mystère et de profondeur à vos images.

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Position

Nous sommes souvent tentés de dire que nos villes ne sont pas si cinématographiques, simplement parce que nous les voyons tous les jours et qu’elles peuvent être très différentes des choses emblématiques que nous avons vues à maintes reprises. Au cinéma, il y a tellement de stéréotypes sur les villes et leur apparence. Certains l’ont tellement utilisé que, par exemple, si vous voyez une plage avec des palmiers et un ciel bleu avec des tons chauds et peu ou pas d’ombre, vous penserez que c’est à Los Angeles. De même, vous penseriez que c’est New York si vous voyez de grands immeubles avec beaucoup de gris et beaucoup de saleté.

Personnellement, je le comprends et le méprise. Cela facilite beaucoup la reconnaissance d’un certain endroit, mais je pense que vous pouvez créer un certain look pour votre ville sans suivre les looks qui ont déjà été établis pour elle. Utilisez votre créativité et créez l’ambiance que vous visez avec votre histoire.

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Stratification

Avec ce type de rapport d’aspect important, vous avez beaucoup d’espace autour du sujet que vous devez remplir avec quelque chose. Tout dans le tournage fait partie de l’histoire que vous essayez de raconter, donc l’ajout de couches à l’image enrichira l’expérience du spectateur. Utilisez-le pour ajouter des détails importants à l’histoire. Avoir quelque chose au premier plan, même quelque chose d’aussi petit que quelques gouttes d’eau sur l’objectif ou un filtre anti-buée, affectera la prise de vue finale.

De même, tout ce qui se trouve en arrière-plan aidera à créer l’ambiance et à créer un contexte pour votre sujet. La qualité de l’air aussi. Souvent, si vous photographiez à l’intérieur d’une pièce, l’ajout d’un peu de brume ou de fumée créera beaucoup de profondeur à vos images et donnera en même temps une lueur fantastique aux lumières que vous avez dans le cadre. Plus vous avez de couches, plus votre image sera complexe, alors n’ayez pas peur de simuler également les imperfections de l’objectif ou le grain du film. Si vous cherchez à imiter l’apparence d’un film vintage, la qualité de l’image finale doit correspondre à l’époque dans laquelle vous essayez de placer votre histoire.

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Il s’agit d’émotion

La chose la plus importante en cinématographie, je dirais, est la capacité d’un certain plan à ajouter des détails à l’histoire, à impressionner le spectateur ou à améliorer les actions représentées. Et nous, photographes, avons de nombreux outils à notre disposition pour y parvenir.

Je ne pense pas qu’un certain rapport d’aspect ou un certain degré de couleur rendra n’importe quel plan cinématographique, pas à long terme. Ce qui rend quelque chose cinématographique, c’est de mettre l’intention derrière chaque élément de votre photo. Tout en un, contribue à l’histoire que vous essayez de raconter et si vous mettez l’intention derrière tous les éléments, ce sera une expérience plus riche pour tous ceux qui regardent votre travail.

Quant à l’expérience du gaffer tape, j’encourage tout le monde à l’essayer, mais assurez-vous d’utiliser du ruban adhésif qui ne laisse pas de résidus sur vos écrans.


A propos de l’auteur: Vlad Moldovean est un photographe de Brasov, en Roumanie, qui a commencé son parcours photographique en tant que portraitiste auto-conçu en peignant l’un des murs de sa chambre en blanc pour l’utiliser comme arrière-plan. Aujourd’hui, il expérimente un large éventail de techniques et de technologies telles que la photographie aérienne à 360 degrés, la photographie infrarouge et la photogrammétrie. En tant que fanatique de la photographie, Moldovean est toujours à la recherche de moyens de créer quelque chose de différent et serait un jour en mesure d’aider les entreprises à créer des produits mieux adaptés aux besoins des autres créatifs. Cet article a également été publié ici.

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