Une explication du combat derrière les dessins animés préférés des fans

Les séries animées sont plus populaires qu’elles ne l’ont jamais été. Autrefois considérée comme une forme de divertissement principalement destinée aux enfants, l’animation est depuis devenue un incontournable de l’industrie du contenu télévisuel et en streaming. Alors que la prolifération des contenus animés ces dernières années est en grande partie due à l’essor des services de streaming capables de fournir davantage de contenus de niche à un public plus large, de nombreux artistes de la communauté de l’animation se sont inquiétés des lacunes des budgets et des délais serrés imposés par le contenu. fournisseurs.

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Se transformant en un mouvement de médias sociaux plus large pour sensibiliser aux préoccupations de la communauté de l’animation, # NewDeal4Animation éclaire certains des mécanismes internes complexes qui ont influencé et continuent d’influencer les émissions d’animation préférées des fans.

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Comme toutes les émissions de télévision et de streaming, les séries animées sont segmentées en saisons d’épisodes pour les commandes de production et la distribution éventuelle sur les plateformes ou les chaînes. Habituellement, les opérateurs d’animation reçoivent des augmentations de salaire pour les séries renouvelées pour plusieurs saisons; cela sert de moyen de garder des talents de qualité sur des projets et d’agir comme un levier pour les créateurs derrière des projets pour lesquels les fans ont un appétit. Cependant, la manière dont les contrats de production sont négociés pour les services de streaming peut parfois générer un grand nombre d’épisodes qui sont produits simultanément et artificiellement découpés en plusieurs “saisons” par le service. C’est devenu une tendance courante pour de nombreuses séries de streaming, bien qu’impopulaire auprès des opérateurs d’animation eux-mêmes.


Selon un membre de l’Animation Guild qui a été contacté pour une explication pour les fans : “Les entreprises qui produisent du contenu en termes de nouveaux médias peuvent payer des salaires et des avantages inférieurs aux personnes qui font les émissions, plus pendant les premières saisons que les saisons suivantes. Lorsque les entreprises commandent une saison d’un certain nombre d’épisodes, elles bénéficient de tarifs réduits pour toute la saison, mais ce que nous constatons de plus en plus, c’est que les entreprises de streaming divisent ensuite cette première saison en différentes saisons pour les consommateurs. faire le plus de profit possible en commercialisant de plus petits “drops” ou “chapitres” aux personnes qui regardent du contenu et qui bénéficient toujours des remises de la “première saison”.


Comme les conditions de négociation pour les “nouveaux médias” (c’est-à-dire le streaming) ont été définies par l’équipe d’animation en 2009, il peut être difficile de les faire refléter avec précision la croissance explosive du marché du contenu en streaming au cours de la dernière décennie. Les termes de négociation organisés à l’époque où le streaming était quelque chose d’étrange sont encore utilisés dans un paysage où il est devenu, pour de nombreux employés, la norme dont dépendent leurs moyens de subsistance.

Ce problème a été révélé à de nombreux fans de la communauté de l’animation suite à l’annonce d’une “deuxième saison” du dessin animé récemment populaire de Netflix. Le spectacle Cuphead! Plus tôt ce mois-ci, un compte Twitter Netflix a annoncé le renouvellement de l’émission, bien que le personnel et les artistes familiers avec le projet aient souligné à contrecœur que ce «renouvellement» serait en fait le reste de la commande initiale de l’épisode. Des expériences similaires peuvent également être courantes avec des productions réalisées pour d’autres services de streaming ; Les fans et les créateurs ont pris note des problèmes contractuels entourant la populaire série HBO Max train infini. “Chaque saison de train infini ça faisait partie de notre contrat “première saison”, y compris non produit [fifth season] scénario de film”, a noté un écrivain de la production du spectacle. Alors que le public ne voit que le contenu avant lui, cette « échappatoire » marketing affecte directement les conditions et, en fin de compte, le temps dont dispose le personnel pour faire de son mieux sur un projet.



Histoire Craft Unite

En plus des complexités entourant les ordres des saisons, un autre point central du récent discours de l’industrie de l’animation met en évidence les difficultés auxquelles sont confrontés les artistes du storyboard dans les séries télévisées d’animation. Communs à toute la production télévisuelle et cinématographique et absolument nécessaires à l’animation, les artistes du storyboard jouent un rôle essentiel dans la rédaction de documents concis et clairs sur l’apparence et la sensation d’une scène avant qu’elle ne soit envoyée pour une production complète. Les artistes du storyboard ont été une partie essentielle du processus d’animation depuis ses débuts dans la production de courts métrages théâtraux avant les longs métrages, bien que ces dernières années, les productions télévisées aient dérivé vers l’assimilation de postes de personnel plus distincts en une énorme charge de travail pour un seul travail d’artiste de storyboard.


“Il est devenu courant de demander à un ouvrier de faire ce qui aurait été trois ou quatre emplois différents il y a à peine dix ans”, a commenté le membre de l’Animation Guild. « Mais ce n’est pas normal, c’est complètement insoutenable. Les changements technologiques ont permis aux travailleurs de l’animation de répondre à des tâches de plus en plus ambitieuses avec des résultats surprenants, mais au final, les travailleurs eux-mêmes ont encore besoin d’apprendre, de comprendre, d’innover avec, et parfois d’argumenter, des logiciels pour produire un produit fini. ; ça prend du temps”.

En plus de #NewDeal4Animation, les artistes et les fans ont lancé le tag #StoryCraftUnite pour souligner spécifiquement le travail intense et les “nombreux chapeaux” exigés des artistes de storyboard. Les storyboarders de l’étiquette ont partagé plusieurs histoires sur les délais difficiles et les multiples rôles qu’ils devraient porter, et un bras renforcé est devenu le logo de fortune de l’étiquette, signalant aux artistes qu’ils devaient porter des attelles de bras pendant qu’ils travaillaient pour prévenir les crampes et la douleur. pour le long temps passé à travailler. Tout était sur la table dans les histoires de ces travailleurs, des nuits tardives à l’inconfort physique et à l’anxiété. Les cartes de bingo pour les mauvaises expériences fleurissent.



Bannière New Deal 2

Pour les fans, l’écart entre l’écran de télévision et le personnel de l’émission derrière lui peut sembler énorme. À bien des égards, les spécificités de l’octroi de temps et de salaire supplémentaires aux opérateurs d’animation se résument à des négociations entre les travailleurs et les entreprises qui se sentent hors du contrôle du consommateur moyen. Cependant, être simplement plus conscient de ces problèmes et de la façon dont ils affectent le marketing est la plus grande étape. Si les balises # NewDeal4Animation et #StoryCraftUnite sont quelque chose sur quoi s’appuyer, les talents de l’industrie sont très, très favorables à ce que ces problèmes soient mieux compris par les fans.

L’essentiel est qu’à mesure que l’animation numérique adopte de nouveaux pipelines de production et que le streaming absorbe de plus en plus la production de l’industrie, il est important que les consommateurs sachent comment leur contenu se présente devant eux. Plus de temps de production et de clarté marketing conduisent simplement à un meilleur contenu du personnel et à une plus grande appréciation des consommateurs.

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