Martin Scorsese explique comment Orson Welles a changé le cinéma américain

Martin Scorsese est, à bien des égards, le dernier d’une race mourante de cinéastes. Ayant grandi au régime du néoréalisme italien, de la nouvelle vague française et des films hollywoodiens classiques, Scorsese a développé un intérêt pour le cinéma à une époque où il perdait ses dents de lait et utilisait des techniques, des formules et des formats jusque-là inexplorés. C’est peut-être pour cela que la seule chose plus intéressante que de regarder un film de Martin Scorsese est d’entendre Martin Scorsese parler des films de ses héros.

En parlant du drame policier d’Orson Welles en 1941, Citoyen Kane, Scorcese a un jour expliqué comment le film avait complètement modifié sa compréhension de ce que le cinéma pouvait faire. “J’ai vu Citoyen Kane à la télévision pour la première fois et j’ai commencé à prendre conscience du montage et des positions des caméras », a-t-il déclaré à AFI. “Il n’avait pas peur d’être gêné par la caméra et de faire des remarques autoréférentielles avec la caméra.”

Cette idée de la caméra embarrassée était assez étrangère aux réalisateurs qui avaient jeté les bases du système des studios hollywoodiens. Dans une tentative inconsciente d’égaler le pouvoir immersif du roman littéraire, l’industrie cinématographique naissante a estimé que les cinéastes devaient faire tout ce qui était en leur pouvoir pour que les films ressemblent à une tranche de vie réelle. Les points entre les scènes devaient être imperceptibles, les transitions naturelles et logiques. Mais à mesure que le cinéma atteignait sa maturité, les cinéastes ont commencé à réaliser que l’artificialité du cinéma pouvait être utilisée comme un outil créatif en soi.

Welles l’a fait en attirant l’attention sur lui-même, sur son rôle de réalisateur. “Il l’a fait avec une telle conviction et avec un tel brio que vous avez commencé à comprendre” Je vois la caméra bouger “”, a poursuivi Scorsese. “Et j’ai commencé à comprendre le mouvement de la caméra parce qu’il utilisait beaucoup cet objectif grand angle, et si vous utilisez un objectif grand angle et que vous vous déplacez assez vite, vous voyez les murs passer rapidement, vous savez ? Et c’est ce que je pense que Welles a acheté au cinéma, en particulier au cinéma américain. Parce que jusqu’à ce moment-là, il y avait le film sans interruption, la caméra cachée, la caméra dont on ne pouvait pas dire qu’elle était là. Donc Welles était le seul qui a vraiment ouvert la boîte de Pandore.”

Dans les années 1950, le contenu de cette boîte de Pandore s’était répandu dans le monde entier. Les réalisateurs de la nouvelle vague française, par exemple, ont complètement abandonné le modèle du système des studios hollywoodiens et ont emmené leurs équipes de tournage dans la rue, où ils ont commencé à capturer le monde moderne dans ses propres termes fragmentaires. Le style maladroit de Welles a été particulièrement adopté par Jean-Luc Godard, dont le film À bout de souffle utilise des coupes sautées pour attirer l’attention du spectateur, entre autres, sur l’artificialité mécaniste du film. Cependant, à une époque dominée par les films de super-héros CGI, l’héritage de Welles perd une partie de son emprise.

Aujourd’hui, la continuité d’un film est encore une fois un indicateur de qualité, ce qui pose la question : où allons-nous à partir de là ?

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